Той изцежда кръвта си всяка година, за да твори

0

Н а всеки пет години, в продължение на пет месеца, британският художник Марк Куин изцежда 5 литра от собствената си кръв и я разлива в полупрозрачен, охладен калъп на лицето си. Резултатът е постоянно обновяваща се серия от автопортрети, в които художникът с право може да твърди, че е вложил повече от себе си, отколкото който и да е художник преди него. За някои наблюдатели продължаващата серия „Аз“ на Куин не е нищо повече от ужасен и вампирски трик.

За други творбата е олицетворение на прочувствен и дързък принос към традицията на себепредставянето, за която са допринесли такива велики художници като Рембранд, Ван Гог и Синди Шърман – творба, която дълбоко подчертава крехкостта на битието.

През 2009 г. британската Национална портретна галерия придобива „Аз“ на Марк Куин. В прессъобщението на музея творбата е описана като „неконвенционална, новаторска и предизвикателна“. 

„Аз“ е изработен от пет литра от собствената кръв на Куин, приблизително толкова, колкото има в тялото на възрастен мъж. Тя е извличана в продължение на една година, след което е изливана в калъп на главата на художника и замразявана. Кървавата глава, както я нарича таблоидната преса, остава замразена в кутия от плексиглас върху хладилен агрегат от неръждаема стомана.

На всеки пет години Куин създава нов „Аз“. Тези творби документират промените във външния вид на Куин, но също така и в неговата неизменна същност. И в „Аз“ (1991 г.), и в „Аз“ (2006 г.) очите на художника са затворени, застиналите му черти са спокойни. Между първата работа, направена, когато Куин е на двадесет и седем години, и най-новата, на четиридесет и две, се появяват признаци на стареене. Лицето му става по-пухкаво, а бръчките около очите и устата – по-дълбоки. След смъртта му ще има непрекъснат запис на жизнения процес на Куин. Той е наредил посмъртно да се отлее „Аз“ с кръвта от починалото му тяло и да се направи предсмъртна маска от главата му.

Роден през 1964 г., Куин е от поколението художници, които стават известни в средата на 90-те години. Колективно тези художници, сред които Деймиън Хърст, Крис Офили, Марк Уолинджър и Рейчъл Уайтрийд, са наричани млади британски художници, или YBA, име, което става все по-неподходящо с навлизането им в петдесетте години. Подобно на много други YBAs, Куин печели международно внимание чрез изложбата от 1997 г. на колекцията YBA на Чарлз Саачи „Sensation“, в която той показва „Аз“ (1991).

Ако художниците като Куин, Хърст и Уайтрийд имат нещо общо, освен националността си, това е интересът към връзката между смъртното тяло и нетленната душа. Макар че често се пренебрегва, в методологията, темите и формите на творчеството на много YBA има ясно изразено и преднамерено сакраментално измерение. Техният начин на създаване на изкуство актуализира въпроса за живота и смъртта, като прави видими и осезаеми крехкостта и разпадането на нашите тела: те практикуват естетика на смъртността.

Естетиката на смъртността винаги е имала своите противници, особено когато се прилага към свещени теми. Нейните критици твърдят, че е присъщо да се съдържа трансцендентното в непостоянното, безкрайното в крайното. Картината на Караваджо „Смъртта на Девата“, която се намира в Лувъра, е отказана от църквата, за която е поръчана, защото изобразява Дева Мария като твърде ярко мъртва. Картината на Караваджо е заменена с приемлива и сантиментална творба на Карло Сарацини, също озаглавена „Смъртта на Девата“, която я показва жива и сякаш неспособна да умре.

Друг творец, чието творчество в по-голямата си част стои извън тази загриженост за смъртността, е Крис Офили. Въпреки че често са групирани заради провокативното използване на органичен материал, подходите на Куин и Офили са по-скоро антитетични, отколкото сходни. Въпреки това сравняването на методите им осветлява работата на двамата художници.

Картината „Света Богородица“ на Офили е наричана от някои вулгарна и обидна, но тя може да се разглежда от гледна точка на естетиката на трансцендентността. Докато естетиката на смъртността се занимава с човешката слабост и преходност, естетиката на трансцендентността възхвалява потенциалната трансформация, дори издигането от едно унизително състояние на съществуване. Азът се корени в инкарнационния подход, който въплъщава нематериалното в материалното; методологията на Офили е оформена от алхимичен процес, който превръща тор в изкуство.

Заслужава да се отбележи, че алхимичният подход към създаването на изкуство, макар и потенциално вдъхновяващ, е богословски вкоренен в схващането за творението като пренебрежимо и нуждаещо се от трансформация. Алхимичният процес свързва отхвърленото и неземното; работата на Куин не се занимава нито с отхвърленото, нито с неземното. Алхимичният метод утвърждава разделението между Бога и творението и установява различия между свещеното и профанното. Изкуството на Куин предполага сакраментална близост между свещеното и материалното.

При този метод бъдещето вече се проявява в настоящето. Куин описва вселената като взаимосвързана на атомно ниво, на което частиците преминават невидимо от една форма на съществуване в друга. Той си представя, че атомите, които някога са били част от тялото му, са станали част от дърво или звезда. Следователно както на духовно, така и на химическо ниво цялото творение, от най-голямата до най-малката му същност, е неделимо физическо и метафизическо.

Ако Офили е алхимик, то подходът на Куин е по-близък до този на химика. Син на физик, Куин се интересува от самата материя, заради самата нея. Същността на живота е в центъра, а понякога и в самия материал на неговото изкуство. Той казва:

Методът на Куин е по-скоро на изследване, отколкото на откровение. „Задаването на въпроси е единственият начин, по който мога да продължа да работя като художник, а аз обичам въпроси, които нямат отговори, но могат да бъдат зададени по милиони различни начини“, казва той. „Измислям неща, които хората наричат идеи, но те не са идеи, а въпроси.“ Това разграничение между идеи и въпроси е от съществено значение за разбирането както на изкуството на Куин, така и на естетиката на смъртността.

Вместо уверено да заявява какъв трябва да бъде животът, Куин се стреми да създаде условия, при които убедителните въпроси могат да бъдат поставени по-ефективно. Тази провокативна позиция, присъща на естетиката на смъртността, е част от това, което прави подхода му проблематичен за зрителите, които търсят в изкуството потвърждение на това, в което вече вярват.

Никъде творческото въображение, чувствителността към материала и експерименталната насоченост на Куин не се проявяват по-ясно, отколкото в „Аз“ (1991 г.), който е генезисът на повечето му следващи работи. Освен необичайното допълнение към историята на автопортрета, същността на „Аз“ се състои в това, че творбите са биологично идентични със своя субект и че тяхното състояние е очевидно временно. Ако автопортретът е опит за улавяне на човек в конкретен момент, то „Аз“ разширява както въпроса за идентичността, така и за темпоралността отвъд пикториализма към буквализма и отвъд него.

Азът е и не е Куин. Истински образ на Куин, Аз е не само портрет на художника, но и негова собствена биологична субстанция. Именно от това единство на външност и същност произтичат въплътените разклонения на Аз-а. При създаването на „Аз“ Куин открива, че докато творбата му става все по-лична и буквална в своята материална форма, тя съответно става по-универсална и загадъчна във въпросите, които повдига. Използвайки себе си като обект, както и като материал, Куин изследва как особеностите на собствената му природа и опит участват в състоянието на човешкото битие.

По темата

Източник: vesti.bg

Вашият коментар

Вашият имейл адрес няма да бъде публикуван. Задължителните полета са отбелязани с *